18세기 후반 음악의 변화: 바로크에서 고전으로의 여정(Musical Transition in Late 18th Century: From Bar

▲요한 크리스티안 바흐 (1735년 9월 5일 ~ 1782년 1월 1일)

안녕하세요! 오늘은 18세기 후반 음악계에 일어난 큰 변화에 대해 이야기해 보려고 합니다. 바로크 시대의 복잡한 음악에서 보다 단순하고 명확한 고전 음악으로 변화해가는 흥미로운 시기였죠.

18세기 후반, 음악계는 '단순함'과 '명확함'을 추구하는 새로운 흐름을 맞이했습니다. 젊은 음악가들은 더 이상 바흐의 복잡한 "푸가 기법"이나 "평균율 피아노곡", "브란덴부르크 협주곡" 같은 어려운 작품으로 자신의 실력을 증명하려 하지 않았어요. 대신 새롭고 단순한 관악 음악이 인기를 끌기 시작했습니다.

이 시기에는 후에 빈 악파의 소나타와 교향곡의 선구자가 될 여러 음악가들이 유럽 곳곳에서 활동했습니다. 먼저 하이든이 극찬했던 필립 에마누엘 바흐가 있었고, 빈에서는 대중적인 관현악곡을 작곡하는 음악가 그룹이 활동했죠.

또한 전 유럽에서 인정받던 만하임 악파의 시타미츠, 리히터, 칸나비히 같은 교향곡 작곡가들도 있었습니다. 그리고 바흐의 막내아들인 요한 크리스티안 바흐는 오페라와 협주곡으로 이탈리아와 독일에서 명성을 얻었고, 어린 모차르트에게도 큰 영향을 주었어요.

이들이 닦아놓은 기반 위에 요제프 하이든이 등장했습니다. 물론 이 시기의 작품들은 후에 하이든, 모차르트, 베토벤이 완성한 위대한 작품들과 비교하면 단순하고 소박해 보이지만, 이러한 단순함은 음악에 대한 새로운 태도와 열정적인 접근의 결과였습니다.

이 시기에는 멜로디가 음악의 핵심 요소로 부상했고, 화성, 구성, 대위법 같은 다른 요소들은 부차적인 것으로 여겨졌어요. 새로운 멜로디는 민요나 춤곡에서 많은 영감을 받았지만, 예술가들의 손을 거쳐 더 정교하게 다듬어지고 대규모 작품에 맞게 발전했습니다.

이런 새로운 음악에는 바흐 시대와는 전혀 다른 형태의 반주가 필요했습니다. 150년 동안 음악의 기초였던 전통적인 통주저음은 1760년경에 놀랍도록 빠르게 사라져갔어요. 새로운 교향곡 스타일의 음악은 복잡한 대위법 대신 단순한 화음으로 멜로디를 돋보이게 했습니다.

이렇게 만들어진 음악은 멜로디와 저음이 완벽한 균형을 이루며, 생동감 있고 활기찬 느낌을 주었습니다. 마치 경쾌한 발걸음처럼 말이죠. 이처럼 18세기 후반은 음악의 중요한 전환점이었습니다. 바로크의 복잡함에서 벗어나 고전 음악의 명료함으로 향하는 여정의 시작이었던 것입니다.

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Musical Transition in Late 18th Century: From Baroque to Classical

Hello everyone! Today I'd like to talk about the significant transformation that took place in the music world during the late 18th century—an interesting period when complex Baroque music evolved into clearer, more streamlined Classical music.

In the latter half of the 18th century, the music scene embraced a new trend that valued "simplicity" and "clarity." Young musicians no longer felt compelled to prove their skills through Bach's complex pieces like "The Art of Fugue," "The Well-Tempered Clavier," or the "Brandenburg Concertos." Instead, a new style of simple wind music gained popularity.

During this period, musicians who would later become pioneers of the Viennese school's sonatas and symphonies emerged across Europe. First was Philipp Emanuel Bach, whose piano sonatas were highly praised by Haydn. In Vienna, a group of musicians created orchestral pieces that appealed to the general public.

The Mannheim School, led by composers like Stamitz, Richter, and Cannabich, became renowned throughout Europe for their symphonies, which were even performed in Paris. Finally, Johann Christian Bach, the youngest son of Sebastian Bach, gained fame in Italy and Germany for his operas and concertos, significantly influencing the young Mozart.

Joseph Haydn built upon the foundation laid by these composers. While the works from this period might seem simple and modest compared to the masterpieces later created by Haydn, Mozart, and Beethoven, this simplicity was the result of a fresh approach and passionate attitude toward music.

During this time, melody emerged as the core element of music, with harmony, structure, and counterpoint considered secondary. The new melodies drew considerable inspiration from folk songs and dance tunes but were refined by artists and developed to suit larger-scale compositions.

This new music required a completely different type of accompaniment than what was used in Bach's era. The traditional basso continuo, which had been the foundation of all music for 150 years, disappeared remarkably quickly around 1760. The new symphonic style of music highlighted melodies with simple harmonies instead of complex counterpoint.

The resulting music achieved a perfect balance between melody and bass, creating a lively and energetic feeling—much like light, confident footsteps. The late 18th century thus marked a crucial turning point in music history. It was the beginning of a journey from Baroque complexity to Classical clarity. Thank you for joining me!